一、共性与个性共同发展的原则
歌唱艺术丰富多彩，有性别的不同、声部的不同、风格类型的不同，都有着独特的艺术魅力和特色.但是科学的方法只有一个，是根据人体生理构造和声学原理而形成的科学的发声方法，适用于任何人、任何声部.掌握这种方法能使声音圆润、集中，语言规范清晰，增强艺术表现力，满足不同歌曲情感表达的需要，同时使声带得到最大程度的放松.声乐教学的主要任务就是帮助每个学生找到这种方法，这就是声乐学习中的共性.同时又要关注学生的个性、气质和声音特点.比如同是女高音声部，抒情女高音声音明亮、甜美、柔和，适合演唱抒情而优美的声乐作品；戏剧女高音的歌声浑厚而铿锵有力，音质宽厚，音色明亮，适宜演唱歌剧中富于戏剧性的作品；花腔女高音声音轻巧、灵活，音色清脆而华丽，善于演唱各种装饰音和华彩乐段.在训练时要根据学生的声部、音域、音色、技术能力进行客观的、切合的分析研究，采用既契合科学共性又符合个人嗓音特点的演唱曲目和训练方法，扬长避短、因材施教，充分发挥其艺术潜能，才能取得满意的教学效果.
二、艺术性与科学性双重发展的原则
声乐艺术在对于歌曲的思想内容、主题理解与表现上，对于语言的韵味与演唱风格的把握与表现上，体现出鲜明的艺术性；对于发声、用气、共鸣、音准、节奏等歌唱技能技巧所涉及到的内容，又体现出严格的科学性.声乐艺术是用人声表达情感的艺术，艺术是目的，而达到目的的手段是适度的技术支持.如果过分强调艺术而忽略技术的提高，就想打仗时失去武器一样，很难达到目的.如果过分强调技术而忽视艺术的表达，肯定会让自己的演唱索然无味，达不到其本质目标.二者缺一不可.但是谁为主、谁为从却是应该关注的问题.从声乐艺术的最终目的来看，应该是艺术为主、技术为从，不能颠倒主从关系.在教学中如果一节课的时间几乎全部都在训练声乐技巧，而对于如何运用技术来表达歌曲内容却谈的很少.时间长了，学生渐渐变成了一部发声机器，无论何种情绪的歌曲都是一个面孔，双眼无光、眉头紧皱，根本不知道自己在唱什么、表现什么，就会出现本末倒置的结果.
三、实践中补充理论学习的原则
声乐教学多年来一直延续的是技术训练加上歌曲演唱的方式，对于理论知识的涉入较少.近年来也有一些学校认识到理论课程的意义而开设了声乐理论课，但数量不多.其实我国声乐理论的研究可以追溯到元代燕南芝庵的著作《唱论》.当代也有很多学者专家出版了声乐理论专著，如汤雪耕的《怎样练习歌唱》，林俊卿的《歌唱发音的科学基础》，薛良的《歌唱的艺术》，石惟正的《声乐学基础》，余笃刚的《声乐语言艺术》等等.这些理论书籍让我们明确了歌唱发声的生理原理，语言的结构规律，歌唱活动中的心理调控，艺术表现的基本规律等等.事实证明，根据歌唱实践研究、总结出来的声乐理论对于其学习具有不可替代的重要作用.在教学中我们经常遇到一些学生在进行过一段时间的技巧训练、有了一些基本的发声技术后，会进入一段学习的瓶颈期，即使刻苦练习也很难取得突破性进展，自己也很苦恼.这时可以暂时放下枯燥的技术练习，多学习歌唱发声的理论知识，站在理论的高度科学、客观地审视自己的歌唱过程，反而会有一种豁然开朗的感觉，使很多问题得到了解决.学习理论知识使我们在歌唱实践中不仅知其然，还知其所以然，不会因为盲目而脱离科学的轨道.理论知识的掌握提高了歌唱实践的准确性与效率，也可以反过来检验自己的演唱实践，自己成为自己的声乐教师，使其少走弯路.
四、尊重技能增长的阶段性原则
声乐技巧的训练是一个循序渐进的过程.发声生理学指出，人体发声器官在经过科学训练之前，其肌肉组织是较为脆弱的，特别是声带及其周围的发声肌群，如果长期超负荷使用，会造成疲劳甚至病变.这就要求声乐训练必须遵循从易到难、从简到繁的原则.另外，人对自身发声技巧的认识和科学规律的理解必须经历一个由表及里、由浅入深、由不准确到熟练掌握的过程.急于求成只会给声乐训练带来诸多负面影响，进而妨碍声乐学习的进程“.欲速则不达”，值得我们警惕与记取.在理解声乐技能的正确要求，从理论、概念上认清科学方法的内涵后，就要经过千百次的锤炼，让这种方法在自己身体上巩固、扎根.阶段性就体现在从量变到质变的进步上.但是学生在训练的阶段性上有时表现不明显，甚至会出现往后退的现象.这就要求教师在训练中注意把握技术发展的阶段性特点，处理好阶段性的分寸，既不能徘徊不前，也不能仓促冒进.在一个阶段之内，耐心扎实地帮助学生积累发声的技术力量.而在积累了足够的技术力量时，又要不失时机地给予恰当的作品，使其完成阶段的跨越.
五、专业能力与文化素养综合提高的原则
声乐作品的一个显著特征是语言与音乐的结合，语言的加入使作品的表现内容更加具体化，更容易被听众理解、接受.很多艺术歌曲就是直接在诗词、散文等文学作品上谱曲而成的.比如学生经常演唱的《红豆词》、《点绛唇赋登楼》等作品，歌词就是清代曹雪芹、宋代王灼所作的诗词.试想如果一个歌唱者不具备一定的文化素养，不能够深层理解歌词的内涵，那么在体现作品情感时必定是肤浅的、表面的.不同时期、不同作者、不同地域的声乐作品是演唱者在学习和演唱时都要接触到的，要想准确表现出某个作品的独特风格，就要求演唱者必须具备音乐史、曲式、和声、调式、调性等音乐理论知识和审美能力.比如莫扎特的作品典雅、深刻、严谨、玲珑剔透，富于浪漫情调和贵族气息；门德尔松的作品旋律优美、甜蜜、典雅而又妩媚，娇柔而又清新.在演唱他们的作品时，必须在深入了解其风格特点的基础上调整好技术手段和表现方式，才能准确地的表现作品.只注重技术训练，不注重文化综合素养同步提高的人，必将造成艺术技巧脱离开其应有的文化底蕴而缺乏应有的艺术感染力，也不会取得艺术上的最终成功.
六、学生学习为主、教师辅导为辅的原则
俗语说过“：师傅领进门，修行在个人”.科学的发声方法固然应该由老师传授给学生，但歌唱技巧掌握与领悟的多少，因为其不可替代性，只能凭个人的勤奋和悟性.歌唱时的生理感觉主要来自自我体会，唱的舒服还是别扭，只有自己最清楚.歌唱训练就是自己研究自己的学问，是自身不断更新旧的发声习惯，建立新的发声习惯的过程.教师的作用是成为学生的镜子，不断提醒、帮助学生客观、准确地审视自己的学习，把学生一步步领上科学的道路.学生是歌唱的主体，只有自身综合素质的提高才能更好的完成作品.教师的演唱水平再高、综合素养再强，也不能转化成学生自己的能力.所以，教师在传授技术的同时，应有意识培养学生的智能和创造性思维能力.声乐的学习决不能仅限于课堂，应抓住一切机会加强自己的知识积累.要不断开拓自己的艺术视野，多听多看好的声音和表演，积极吸收姊妹艺术的营养与精华.要鼓励学生善于观察生活、体味人生，树立高尚的道德情操.在学习过程中应培养学生主动学习、积极探索的学习习惯，尊重学生“学”的主体性，教师发挥积极引导的作用，这样才能使学生的声乐学习沿着健康的道路迈进.
七、总结
声乐学科的发展经历了从经验到科学的转变过程，只有在认真研究其教学特点、遵循其训练原则的前提下，才能达到教学的目的，使声乐艺术不断得到发展、创新.
作者：庄虹子 单位：滁州学院音乐学院